范文為教學中作為模范的文章，也常常用來指寫作的模板。常常用于文秘寫作的參考，也可以作為演講材料編寫前的參考。寫范文的時候需要注意什么呢？有哪些格式需要注意呢？下面是小編幫大家整理的優質范文，僅供參考，大家一起來看看吧。
舞蹈編創腳本篇一
那是我在五歲時候，媽媽給我報了一個拉丁舞班，我很高興，因為我從小就喜歡跳舞，可沒想到甜蜜之后迎面而來的卻是苦練。
我是第一個躺在練功墊上，閉著眼，咧著嘴，緊張的渾身顫抖，兩腿叉開，雙腿并攏，老師使勁摁著我的膝蓋往下壓，我頓時感到一陣撕心裂肺的疼，像有人拿刀子割我的肉，我是：“一把鼻涕一把淚”，我再也忍不住了，趁老師愣神的功夫，翻身朝一個角落爬去，并大聲的向老師發出抗議。晚上回家，我一邊揉著腳，一邊哭著對媽媽說：我不學了，太苦了，媽媽先看了我一會兒，然后對我說：老人們常說，嚴師出高徒，吃得苦中苦，方為人上人。你怎么能為了這點小苦，就放棄呢？我遲疑的望著媽媽，點了點頭，堅持了下來。
其實，舞蹈不僅有苦，甜也有很多。三年前，由于我的刻苦努力，終于可以考上了銅牌，望著那么多的評審員，我的心中像揣了一只兔子似的，上躥下跳，一直怕考不上，音樂響起來，我的顧慮早已拋到腦后，完美地完成了每一個動作。
兩個星期過去了，我拿到了銅牌考級證書，捧著那個藍色小本，我高興的又蹦又跳。到現在為止，我已經有六年多的舞蹈歷史了，演出過，考級過，比賽過，哭過，也笑過，酸甜苦辣都嘗過，雖然付出不少努力和汗水，但也收獲了許多。
舞蹈酸甜苦辣，四味皆懼，苦好，甜更好，我愛它的節奏，愛它的嫵媚，愛它的步伐，我愛這酸甜苦辣的舞蹈生涯。
舞蹈編創腳本篇二
芭蕾舞劇是綜合音樂、美術、舞蹈于同一舞臺空間的戲劇藝術形式。
三位姐妹藝術的密切合作造成時空一致、視聽統一的藝術效果，這正是芭蕾舞劇具有獨特魅力之所在。 音樂在芭蕾中占有不容忽視的地位。
根據舞劇腳本譜寫的音樂是舞劇編導賴以進行編創舞蹈和戲劇動作的基礎。 因此，舞劇音樂既要體現完整的藝術構思、描繪戲劇性的情節進展，又要刻畫鮮明的音樂性格、提示人物的內心世界與感情變化。
而且，舞劇音樂往往都有節奏明確、抒情色彩濃厚的適于舞蹈的旋律，并體現出作品的時代、地域的風貌。音樂素有“舞蹈的靈魂”之稱，難怪我們聆聽舞劇音樂時，腦海里就會有形象浮現。
包括舞臺布景、服裝、化妝在內的舞臺美術，通過逼真的實感、巧妙的色光變幻以及特技效果創造出舞劇規定情境所需要的藝術氛圍，增強著舞劇的感染力。舞臺美術的重要性可以從下述情形得到證實：即使是滿臺白光或漆黑一片，人們也能從中體味某種特定的含意。
舞劇，顧名思義舞蹈是它最主要的表現手段，舞劇的一個突出特點是演員在臺上不說也不唱，完全依靠形體的表現力來完成所有的戲劇要求——主題思想的闡述、矛盾沖突的展現、人物性格的塑造。訓練有素的舞蹈演員是通過優美的舞姿、和諧的韻律、高超的技巧“說話”和“唱歌”的，說出角色的心里話，唱出人物的情愫來。
這里要指出的是，芭蕾演員作為藝術創作的體現者，其素質的高低、進行二度創作的能力大小固然起著決定性作用，但是，在作品誕生的全過程里，舞劇編導的才情和技巧都從根本上影響著作品的質量。當我們為一部舞劇的成功演出鼓掌喝采時，理所當然地包括了對編導的肯定與贊揚。
芭蕾舞劇的舞臺表演是由啞劇和舞蹈兩大部分構成的。舞蹈部分又可分為直接推動情節進展的和情緒單一、表演性強的兩種舞蹈。
芭蕾中的舞蹈格式有獨舞、雙人舞和多人舞。獨舞猶如話劇中的獨白、歌劇中的詠嘆調一樣，長于刻畫人物性格和抒發內心情感。
群舞則用來渲染、烘托氣氛，調劑色彩。在許多古典芭蕾舞劇中，由女演員組成的舞隊排出各種幾何圖形，表演優雅的輪舞、圓舞，呈現出令人賞心悅目的舞蹈構圖，往往是代表了一部舞劇的典型場景——象《天鵝湖》湖畔的“群鵝”、《吉賽爾》第二幕的“群靈”、《希爾維婭》第一幕的“獵神們”所顯示出來的那樣。
芭蕾雙人舞在概念上不僅是“兩個人跳舞”，而形成為一種特定的表演格式。古典舞劇中，男女主人公的雙人舞常常被處理為全劇的核心舞段，占據著重要位置。
雙人舞通常取三段式進行：一、慢板——由男演員扶持、托舉女演員的合舞，連貫地展示各種舞姿，在地面和空中完成一系列旋轉、跳躍等技巧動作；二、變奏——男、女演員分別表演獨舞；三、結尾——由男、女演員逐漸加快的獨舞過渡到快板的合舞，呈現舞蹈的高潮。 雙人合舞（不論是慢板或快板）要求男女雙方和諧默契、渾然一體；而變奏一般都包含著復雜的高難技巧。
因此，雙人舞是對芭蕾賞技藝的全面檢驗。我們經常可以看到《天鵝湖》、《唐·吉訶德》、《海俠》、《睡美人》等古典芭蕾中的雙人舞做為舞劇精華拿到舞蹈晚會上表演，演員們按照原劇應有的情緒盡力炫耀著自己的拿手絕技（如連續不停地三十二圈單足旋轉），收到激動人心的舞臺效果。
芭蕾舞劇中還常貫穿有多種風格的舞蹈，即各個國家和民族具有特征的民間舞，統稱“性格舞”。象《天鵝湖》里的西班牙舞、瑪祖卡舞（波蘭民間舞）、恰爾達什舞（匈牙利民間舞）和《紅色娘子軍》里的取材于我國黎族的少女舞、五寸刀舞，都屬于性格舞表演。
它使得舞劇更加色彩紛呈、壯觀美麗。 古典芭蕾里的啞劇表演是推進劇情、提示矛盾的重要手段。
它在舞劇中的作用是舞蹈所不能完全替代的，但是盡量使啞劇舞蹈化則是好的舞劇編導所追求的目標。當代的舞劇作品，如《奧涅金》、《鄉村一月》在這方面的成就是引人注目的。
在芭蕾中經常采用的一些啞劇手勢是很早以前創造出來的，久而久之，觀眾已習慣于從這些固定動作中了解它的含意。譬如：演員用手按左胸表示“愛”，雙手在頭項交替繞圓圈表示“跳舞”，一只手的手背從方向相反的臉頰劃到下頦處表示“容顏美麗”，攤開雙手或單手表示“詢問”，雙手握拳交叉于身體前方表示“死亡”等等。
啞劇穿插于各舞段之間，多種形式和風格的舞蹈按戲劇進程編織在一起，既避免了觀眾視覺的單調感，又給予演員們輪換地高速體力的時間，是每個編導在構思時就認真考慮的因素。而一般的戲劇規律，例如啟、承、合，在芭蕾舞劇創作中同樣發生作用，我們在觀看舞劇時也就有清晰的情節線索可循。
但是，當需要主人公宣泄情感的時候，當需要制造某種戲劇氣氛的時候，當為展示芭蕾美的畫面的時候，往往常規時限概念就被打破了，將瞬息延伸得很長，或者相么，對那些非重點的說明性段落則一帶而過——不均勻地分配時間和使用力量，這個一切藝術都講究的節奏在芭蕾舞劇的藝術結構中被更加強調性地運用著。 。
舞蹈編創腳本篇三
舞臺劇應該說是人類創作最早的表演方式；在沒有電影以前，特別是在中國，人類大眾的娛樂活動，應說是以各種街頭，場院，搭一個臺子，來表演一些人間的喜、怒、哀、樂生活情景。表演形式，有說、唱、逗、笑。這是中國最早的娛樂藝術。隨著時代的發展而成為現代的戲曲、話劇、歌舞、小品等等表現形式。開始的臺詞為即興創作，發展到現在，就細化到劇本、導演、表演等等。
但是千變萬變，有一點是不會變的，即：它的行為目的是尋求與受眾的互動，受眾的喜愛和認可。而且，在創作上，還會因為劇種的不同，而要求劇本創作的形式不同。因此，在劇本的創作上，舞臺劇也與動漫劇本有明顯的不同。
1.臺詞的不同
舞臺劇本的臺詞，是根據劇種的特殊要求而創作的，比如說：戲曲；它的臺詞帶有明顯的各劇種唱腔的韻、味、音要求。話劇則有語言的朗、誦、吟、表演要求等等。而動漫劇本臺詞與舞臺劇本臺詞相比較，有很大的區別。動漫劇本的臺詞要求則夸張、幽默、諷刺、搞笑等外，還要求臺詞體現現代“動漫”感和流行感。
2.音響的不同
音、響在舞臺劇本和動漫劇本創作中，均有一些相對的創作要求。舞臺劇本的音響效果體現的是同其他聲，即當演員在舞臺表演時的音響的現實感。動漫劇本創作中的音響創作要求，主要體現在后期制作的配音上，它與同期聲相比較，則有更大的創作空間。而且，就音樂的原創性和創新空間來說，動漫劇的創新空間要大得多。它可以根據畫面的不同，給受眾以更強，更大的振撼感。
3.表現手法的不同
舞臺劇是靠人來表演的，動漫劇是靠畫面表演的。同樣是靠人來表演，舞臺劇表演的形式和影視劇也有很大的區別。舞臺劇表現動作的夸張，還是局限于人的表現能力范圍內，而動漫畫面的表現動作的夸張，則是無限的。
因此，就表現手法來說，動漫劇的表現手法，比其它同類產品的表現手法和空間，則無限和有趣得多，這也就是動漫片最能吸引受眾的主要原因之一。
4.表演和制作效果的不同
舞臺劇是表演現場效果，動漫片是制作畫面效果。兩者不可同日而語。與影視劇相比，雖說都是人來表演，但是，就表演難度而言，最有難度的是舞臺劇的表演。因是現場表演效果，舞臺劇的表演因沒有后期制作，所以，舞臺劇的表演技巧要求，比影視和動畫劇的表演要求，高得多。
5.市場的不同
舞臺劇的演出市場和影視，動漫片發行的市場也有明顯的區別。舞臺劇因場地，受眾人數的不同，因而它的市場營銷模式也就不同。而影視，動漫片是通過制作，發行的。因此，它不受市場場地和受眾人數的影響。因此，影視，動漫片的市場比舞臺劇的演出市場操作空間要大得多
